Faltan tan solo unas horas para que podamos conocer el vídeo y la canción íntegras de Entre sobras y sobras me faltas. Se trata del segundo single de Aviónica, el disco que publicará Antonio Orozco a finales de mes. “Lo que pretendo con este álbum es que la gente que lo escuche, en ese proceso de escucha, sea capaz de volar, literalmente”, nos confesó en un encuentro reciente.Lleva cinco años trabajando en este proyecto que marcará un antes y un después en su carrera. En su vida ya lo ha hecho porque ha sido fruto de un momento personal complicado tras el fallecimiento de la madre de su hijo. De lo mucho que ha aprendido a su lado y de lo que ha supuesto todo esto en su vida trata este disco que nos habla del carpe diem, del lado positivo de la vida y de lecciones de superación que tanta falta hacen en los tiempos que nos ha tocado vivir.Entre sobras y sobras me faltas es un título bastante descriptivo de una canción que “considero que probablemente sea una de las más importantes de mi vida”. Tiene mucha fe depositado en este tema que, los que ya lo hemos escuchado, podemos dar fe de que es de esos que ponen los pelos de punta. Es épica y emotiva y es clave para Antonio que está convencido de que “se puede convertir, espero, en una canción que pueda cambiar mi vida y que marca un antes y un después”.“A veces en la vida, cuando parece que lo tenemos todo, a veces, nos falta lo más importante. No digo siempre, pero a veces. No todo es posible y no todo se puede conseguir”, comenta sobre el mensaje del tema. Y es que, en este disco, aparte del detalle que vamos a apreciar en el sonido, el mensaje cobra mucha importancia.En unas horas veremos las imágenes que acompañan a la canción, de las que ya nos ha ofrecido un adelanto y una de las cosas que más ha llamado la atención es verle acompañado por Eva González, la presentadora de La Voz, el programa en el que el cantante trabaja como coach.“Desde el primer momento en La voz que me estaba escuchando con la guitarra, con el piano, empatizó muchísimo con ella y me pareció que podía acompañarme en esta historia. Ha sido muy bonito el rodaje”, asegura.Ya queda menos para ver el resultado al completo.

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Poco queda ya de Crema, ese niño rapero que empezaba en la música allá por el año 2016. Esas canciones de letra compleja, tan de barrio y problemas mundanos que llevaban el disco Agorazein. ¿Quién sigue cantando Cada uno en su lugar de memoria? Pues hace ya 12 años de eso.Volvamos a 2020. El año en el que C. Tangana rompe récords y logra el número 1 con Demasiadas Mujeres en el Top 50 de España de Spotify. Persiguiendo el éxito con sonidos urbanos mezclados con los tradicionales de la música popular española. Una fórmula que ya nos adelantaba en Un Veneno, Viene y Va y Nunca Estoy. Su salto a El Madrileño que, ojo, nada tiene que ver con los perreos que nos sacaban Mala Mujer, Antes de Morirme o Booty junto a Becky G.Son muchos los que han puesto en duda su evolución y la intención de esta. Él mismo sigue divagando sobre el tema. Así nos ha hecho reflexionar en su cuenta oficial de Instagram: “Antes de pillar covid, en el último pedo que agarramos @santosbacana y yo salió la clásica discusión en torno a puchito el vendido vs puchito el artista". Una conversación con Santos Bacana, director de los videoclips del artista, que continuaba así: "Me enseñó el texto de machado el poeta y el pueblo y me dijo que él pensaba que el año que viene este debate se pasaría de moda definitivamente".Lo más interesante y aquí es cuando entras tú a la acción es esto: “Que el pueblo hable: 💰 para vendido y ❤️ para artista. Demasiadas mujeres es la canción más escuchada en España y el número 1 más extravagante de este país desde nunca estoy". C. Tangana da carta libre a fans y haters para opinar.Beatriz Luengo se anima y responde: “Eres un artista, siempre con una propuesta. Eso se ve a la legua”. Hay comentarios de todos los colores: “Cuando te apodabas crema molabas más 💰” y “molabas más cuando eras C. Tangana”. Pero sin duda, en esta publicación abundan los corazones rojos. Y con El Madrileño siempre puedes preguntarte: ¿Qué será lo próximo? 

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Sigue el programa especial de LOS40 para conocer a los nominados a LOS40 MUSIC AWARDS 2020. Este jueves 15 de octubre a las 13:30 (una hora menos en Canarias) conéctate a los40.com, App de LOS40, YouTube de LOS40 y Facebook de LOS40 para saber quiénes son los candidatos a los premios más importantes de la música de nuestro país.Tony Aguilar, Dani Moreno 'El Gallo' y Cristina Boscá serán los encargados de ir desvelando los nombres de los artistas que ese año optan a galardón.LOS40 MUSIC AWARDS, CON TODAS LAS GANAS DEL MUNDOLa cuenta atrás ya ha comenzado y LOS40 MUSIC AWARDS 2020 están a la vuelta de la esquina. Este ha sido un año muy distinto, difícil y distópico para todos, pero la mella ha sido especialmente dura en la industria musical y en los espectáculos en directo. Por eso, este año LOS40 Music Awards 2020 llegan con todas las ganas del mundo y con un objetivo muy claro: hacerte disfrutar y vibrar con la mejor música.Muy atentx a esta emisión especial en la que desvelaremos quienes han sido los mejores del año. Y no te separes de LOS40 en la radio, en YouTube, nuestra APP y todo nuestro universo en redes sociales porque esto no ha hecho nada más que empezar. En breve, muchas más sorpresas... ¡y los primeros artistas confirmados!

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Post Malone se alzó con nueve galardones arrasando en los <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/premios-billboard/">Billboard Music Awards</a> ayer en la primera gran gala de premios celebrada en un escenario físico desde el comienzo de la pandemia. Entre los premiados también destacaron <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/billie-eilish/">Billie Eilish</a> y <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/bad-bunny/">Bad Bunny</a>.El Dolby Theatre de Los Ángeles, acostumbrado a ser la sede anual de los Oscar, se acondicionó para organizar una gala en directo, con actuaciones e invitados, pero prescindiendo del público. Todo ello, en un intento por adaptar los grandes eventos del mundo del entretenimiento a la nueva situación que vive el planeta.Tras unos <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/premios-emmy/">premios Emmy</a> ubicados en las casas de los ganadores, la ceremonia de los Billboard Music Awards reunió en el mismo escenario a numerosos artistas, desde <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/alicia-keys/">Alicia Keys</a> a <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/john-legend/">John Legend</a>, para celebrar los galardones entregados por la institución que, a diferencia de los <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/premios-grammy/">Grammy</a>, votados por expertos de la industria, mide el rendimiento comercial de la música en Estados Unidos y reconoce con los premios Billboard a los superventas del año.Post Malone conquistó los premios Billboard al conseguir el galardón más codiciado de la noche, el de mejor artista, al que se sumaron otras ocho estatuillas. Todo ello pese a ser ignorado en los Grammy."Sinceramente, estoy impresionado por el amor que todos me muestran", comentaba el cantante cuando la presentadora, Kelly Clarkson, apareció con un carrito en el que llevaba todos los premios obtenidos por el artista esa noche.Malone se puso a la cabeza superando a Billie Eilish, la joven que, con tan solo 18 años, hizo historia a principio del año al ganar en las cuatro categorías principales de los Grammy. "Por favor, voten y lleven mascarilla. Cuídense", pedía Eilish sobre el escenario, con la mascarilla puesta, tras obtener el premio a la mejor artista femenina, al artista nuevo y al álbum más exitoso por When we all fall asleep, where do we go?.La cantante de Bad guy se consolida, así, como una voz capaz de unir el éxito comercial con las alabanzas de la crítica.Los votos de los seguidores se los llevaron los surcoreanos <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/bts/">BTS</a>, mientras que Lizzo se coronó como la autora con mejores ventas. Lil Nas X y <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/billy-ray-cyrus/">Billy Ray Cyrus</a> firmaron la canción más reproducida de la temporada.En el terreno del country, el músico Garth Brooks recibió un premio honorífico a su carrera.En el panorama latino, Bad Bunny se colocó por delante de artistas como Anuel AA, <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/j-balvin/">J Balvin</a>, Ozuna y <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/romeo-santos/">Romeo Santos</a>. Sobre el escenario, el puertorriqueño decía: "Basta ya de violencia machista, vamos a educar ahora en el presente para un futuro mejor".Tras interpretar su tema Yo perreo sola junto a Ivy Queen y Nesi, el cantante añadió: "Yo no soy un artista de mensaje social, esta canción no es de mensaje social, pero aprendamos que se puede perrear, ser educado y respetuoso a la misma vez. Si ella no quiere bailar contigo, respeta. Ella perrea sola".Fuera de la ceremonia, la organización proclamó a J. Balvin y Bad Bunny como ganadores del mejor disco latino por Oasis. <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/maluma/">Maluma</a>, Farruko, Romeo Santos y Sech eran los otros nominados en esta categoría.El momento más duro de la noche lo protagonizó John Legend que dedicó su actuación a su su mujer, Chrissy Teigen, apenas dos semanas después de que la pareja perdiera al hijo que esperaba en un aborto."Esto es para…

Dua Lipa, The Weeknd, Maluma, Aitana, David Bisbal, Pablo Alborán... ¡Consulta todas las candidaturas!

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No Matarás se ha convertido en una de las películas revelación del Festival de Sitges este 2020. Su ritmo trepidante, su banda sonora y su fotografía de claroscuros que recuerda al neo noir han hecho de esta película de David Victori una de las cintas españolas más originales de esta temporada.Además, supone un cambio de registro interpretitvo brutal para Mario Casas. Su personaje, Dani, está más cerca del endeble y atribulado Tomás de Hogar que de el enfermizo Ángel de El practicante. Parece un chico atormentado que en cualquier momento puede estallar. Cuando una desconocida lo engatusa para hacerle una encerrona en su piso, Dani estalla y se sumerge en una espiral de violencia sin concesiones.No matarás se estrenará en cines el 16 de octubre de 2020. Aquí puedes ver su tráiler oficial.

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¡No podemos más con el hype de Ariana Grande! La cantante estadounidense anunció este miércoles, 14 de octubre, que este mismo mes lanzaría su sexto álbum de estudio. Lo hizo con un escueto, pero conciso mensaje en Twitter. Ya sabéis lo que dicen, lo bueno si breve, dos veces bueno, y más si viene de una de las mayores estrellas musicales del momento.“No puedo esperar para daros mi álbum este mes”, escribió la artista. Aunque ya la habíamos visto en el estudio trabajando en nueva música, no sabíamos que el disco iba a salir tan pronto al mercado.De hecho, miles de fans mostraron su emoción en las redes sociales, haciendo que el nombre de Ariana fuese trending topic mundial durante toda la tarde. Uno de los artistas que no tardó en reaccionar a esta noticia fue The Weeknd. El cantante de Blinding Lights reutiteó la publicación y, como era de esperar, este gesto no pasó desapercibido por los fans.Y es que, como bien es sabido, los artistas suelen apoyarse sobre todo cuando tienen algo que ver en esos proyectos. De este modo, los rumores de una nueva colaboración entre el canadiense y la estadounidense inundaron las redes.También es posible que The Weeknd haya estado involucrado de otra manera en AG6. Quizá haya estado en la composición y producción de algunas de las canciones que componen el disco.Love Me Harder, la colaboración que sacaron en 2014No sería la primera vez que Grande y The Weeknd lanzan tema juntos. En 2014, cuando ambos artistas estaban empezando en la industria, lanzaron el single Love Me Harder. La canción suma a día de hoy más de 600 millones de reproducciones.El propio The Weeknd aseguró el pasado mes de abril que Ariana le ayudó a ingresar en la industria musical, sobre todo a la hora de ponerse en contacto con el productor Max Martin. Tendremos que esperar (no sabemos cuánto pero poquito) para saber qué tipo de involucración tiene realmente el canadiense en este nuevo trabajo de Ari. Cruzamos los dedos para que sea una colaboración.

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Con la voz dolorida y visiblemente compungido, John Legend comenzaba a cantar apasionadamente frente al piano. Esta última actuación del intérprete de All of me en los Premios Billboard quedará grabada para siempre en nuestra retina. No solo por cómo brillo él y el talento que demostró sobre el escenario, sino porque estaba dedicada a su esposa.Chrissy Teigen, con quien, hace escasas semanas vivieron uno de los peores momentos de sus vidas: la pérdida del bebé que esperaban.Precedido de una intensa ovación por parte de los espectadores que se citaron en el Dolby Theater de Los Ángeles, antes de interpretar el tema Never Break, Legend comunicó a los espectadores: "Esto es para Chrissy".Con la voz al borde del llanto y un semblante afligido, el artista entonó versos tan conmovedores como: "Nunca nos romperemos, hemos construido unos cimientos lo suficientemente fuertes como para seguir en pie. Cuando las aguas suban y las montañas se agiten, nuestro amor permanecerá", recuerda una estrofa de la canción.Palabras fuertes que dibujan la capacidad de resiliencia y hacen referencia a la tenacidad y la resistencia ante la situación tan amarga que están atravesando y es que hace apenas unas semanas, Teigen escribía un desgarrador mensaje en sus redes sociales diciendo que ella y Legend estaban "en camino a casa desde el hospital sin ningún bebé". "Esto es irreal", publicaba en unas imágenes en su cuenta de Instagram donde veíamos a ella y a su marido rotos de dolor."John, eso fue tan hermoso", dijo la presentadora de la gala y también cantante, Kelly Clarkson. Ella fue compañera de John en el jurado del concurso The Voice y no quiso perderse la oportunidad de dedicarle unas palabras de cariño y aliento a Legend y a su mujer, así como manifestar su apoyo incondicional en este duro trance. "John Legend es una de mis personas favoritas de este planeta, y por eso creo que todos nos sentimos de esta manera ahora mismo. Chrissy y él han sido siempre tan amables de invitarnos a su mundo, a los buenos y los malos momentos. Nuestros corazones están con vosotros en este difícil período y somos afortunados de contar con vuestra luz y con vuestro talento", explicó profundamente compungida.Era la primera vez que John Legend actuaba en público tras la noticia de la pérdida de su bebé y sin duda, el cantante protagonizó el momento más emotivo de la noche. Sabemos que la pareja Legend-Teigen sabrán mirar hacia delante y superar estos duros momentos juntos ya que como dice la letra de Never break "no importa lo que venga en nuestro camino, nunca nos romperemos".

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Puede que Emily in Paris ya te haya conquistado por al carisma del personaje interpretado por Lily Collins, por los increíbles looks que se ven en la serie o, no menos importante, por la magia de la capital francesa. Sin embargo, desde LOS40 hemos querido prestar especial atención a otro de los detalles de la producción de Netflix: la música de Emily in Paris.A pesar de que la serie no haya gustado demasiado a los franceses por sus excesivos clichés, es indiscutible que la banda sonora de Emily in Paris es todo un homenaje a la música francesa del momento y a algunos de sus clásicos más conocidos como La Vie en Rose.10 canciones imprescindibles de la playlist de Emily in Paris1. Ce Soir de KumisoloEs una de las canciones que aparecen en el episodio de presentación de Emily in Paris y una de las que más popularidad ha ganado gracias a la serie.2. Rendez Vous de La PlageEs una de las canciones francesas más populares y la melodía ideal para un ambiente de fiesta.3. Bunga Bunga de Non Non PlusCon aires retro tan de moda en la música de hoy, este retorno a la música disco francesa se escucha en el segundo capítulo.4. Dans La Radio de Jaques, Futuro PeloResulta casi imposible escuchar esta canción y no imaginarte recorriendo las calles de París con cualquiera de los increíbles outfits que luce su protagonista.5. Je Suis – Tu Hais de KIZUna de las canciones que acompaña a Emily en sus primeros pasos por la capital francesa.6. Lunatique de Stereo TotalSi hay algo en lo que Emily destaca es en su talento con las redes sociales. Con esta canción se embarca en la aventura de crear su éxitos Instagram @emilyinparis.7. La Vie en Rose de Édith PiafAunque no aparece en su versión original, éste es uno de los momentos musicales por excelencia de la serie, ya que, a ritmo de este clásico de la música francesa se descubre el gran talento de Mindy, la mejor amiga de Emily en París. Aunque no es la única que cantan, también interpreta otras tan populares como Chandelier de Sia.8. Magnifique de JunioreEn la vida de Emily no todo es lujo y glamour, también hay hueco para el deporte. Es precisamente esta canción la que se escucha durante su sesión de running mañanero.9. Touche-Moi de Stereo TotalUn triángulo amoroso aparece entre la trama de Emily in Paris. ¿Adivinas cuál es una de las canciones que le da ritmo?10. Pretty Boy de CayaleDe las pocas canciones de Emily in Paris que no está en francés. No vamos a hacer spoilers pero te diremos que es la melodía que suena cuando la protagonista vive uno de los momentos más importantes con uno de los considerados de los más guapos de la serie.Esperamos que esta playlist te transporte directamente hacia la ciudad del amor. Pero, si lo que quieres es disfrutar de otra serie como Emily in Paris, puedes disfrutar de estas cinco que seguro te gustarán mientras esperamos la llegada de la segunda temporada al catálogo de Netflix.

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Si pensamos en Radiohead, muchos rápidamente tarareamos el estribillo de Creep, una de sus grandes y más significativas canciones. Es un de los temas más recurrentes de la larga carrera del grupo, que ya suma 35 años. Sin embargo, también es una de las más odiadas por el grupo, quizá por todas las veces que la han tenido que tocar en cada uno de sus conciertos en directo.La canción fue lanzada en 1993, y rápidamente los catapultó a la escena musical alternativa de Reino Unido desde ese rincón oscuro y limitado en el que se habían movido durante los primeros años de su carrera. Fue un éxito a nivel internacional, algo que el grupo siempre quiso evitar, inmerso en una trayectoria de fondo en la que nunca han querido destacar ni convertir sus temas en un one hit wonder.La canción fue incluida en el disco Pablo Honey, y rápidamente se convirtió en todo un himno para una generación universitaria, en esos años noventa estadounidenses, donde las fraternidades organizaban fiestas y los jóvenes viajaban a California para pasar las vacaciones.Tom Yorke escribió el tema en la universidad, y se inspiró en una chica de la que estaba enamorado, pero no podía conseguir. La letra, efectivamente, habla del sentimiento del amor y de no ser lo suficientemente bueno para una persona, y de cómo un hombre trata de llamar la atención de una mujer sin ningún éxito.Creep empezó a ser la canción más pedida por el público en los conciertos, olvidándose del resto del repertorio de la banda. Poco a poco, la banda se fue cansando de tocarla, e incluso empezó a sentir rechazo hacia ella. Durante los siguientes dos años de gira, la banda comenzó a perder la paciencia con la canción y el tipo de público que atraía a sus conciertos. "Parecía que vivíamos los mismos cuatro minutos y medio de nuestras vidas una y otra vez", dijo Johnny Greenwood en esas primeras giras, recordando cómo los miembros de la audiencia gritaban por Creep y luego se iban inmediatamente después de que se interpretaba.Durante los conciertos de presentación del tercer álbum de Radiohead, OK Computer, Yorke se volvía hostil cuando se le mendionaba a Creep en las entrevistas y luego, en las semanas posteriores, comenzó a rechazar solicitudes para tocarla en vivo. Una noche en Montreal, las cosas se intensificaron cuando Yorke le gritó a la audiencia: "Iros a la mierda, estamos cansados".Radiohead llegaron a ignorar la canción durante ocho años hasta que sorprendentemente desataron Creep como la canción de apertura de su icónica actuación principal en el Reading Festival en 2009. La canción volvió una vez más a las sombras hasta su gira de 2017 para A Moon Shaped Pool cuando un fan se pasó la mayor parte de un concierto gritándolo y, posteriormente, la banda decidió invitar al público a "ver cuál es la reacción, solo para ver cómo se siente".En una entrevista, Yorke dijo: "A veces puede ser genial, pero otras veces quiero detenerme a la mitad y decir: 'No, esto no está sucediendo'". Es cierto que poco a poco han hecho un ejercicio de aceptación, que han aprendido con el paso de los años. Radiohead han llegado a comprender lo afortunados que son de tener una canción tan universal como Creep pero, lo que siempre tratan de reivindicar, todavía no están dispuestos a ser definidos por ella.

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<a href="https://los40.com/tag/stevie_wonder/a/">Stevie Wonder, una de las grandes leyendas de la historia de la música vuelve al terreno 15 años después de lanzar su último disco. Y lo hace con dos nuevas canciones: Where is Our Love Song y Can't Put It in the Hands of the Fate, que son un adelanto del que será su próximo disco, Through the Eyes of Wonder, un proyecto que viene precedido por A time to Love (2005), un disco que tardó diez años en salir a la luz.Está claro, la calma en el terreno musical parece ser que es una seña de identidad de Wonder, hasta aquí todo sigue igual, pero en esta ocasión, su nuevo trabajo será editado en su propia discográfica, Republic Records. Un apunte que resulta muy llamativo ya que, Wonder, desde que despuntó como niño prodigio en los 60, había editado en Motown (su compañía habitual) todos sus trabajos, salvo el single Faith en 2016 junto a <a href="https://los40.com/tag/ariana_grande/a/">Ariana GrandeEn los dos nuevos temas de Stevie, podemos disfrutar de importantes colaboraciones. En Where is Our Love Song aparece <a name="gary" id="gary"><a href="https://instagram.com/garyclarkjr?igshid=18kgl5qd2q123">Gary Clark Jr y en Can't Put It in the Hands of the Fate figuran <a name="rapsody" id="rapsody"><a href="https://instagram.com/rapsody?igshid=1mllfgz4xk3nc">Rapsody, <a name="cordae" id="cordae"><a href="https://instagram.com/cordae?igshid=b6az2cezor6i">Cordae, CHICA y <a name="busta" id="busta"><a href="https://instagram.com/cordae?igshid=b6az2cezor6i">Busta Rhymes.Un retorno a los inicios más revolucionarios de WonderLos nuevos temas que nos trae Stevie Wonder se alejan del temperamento sereno y sosegado al que nos tenía acostumbrados y marcan un regreso a los trabajos más políticos de principios de su trayectoria como Front Line (1982), sobre la guerra de Vietnam o Happy Birthday (1980), uno de los himnos que animó la campaña para que el cumpleaños de Martin Luther King Jr. se convirtiera en fiesta nacional.Can't Put It in the Hands of the Fate es un tema funky en el que Wonder se sumerge y conecta con las reivindicaciones antirracistas del movimiento Black Lives Matter. Además, subraya la urgencia y necesidad de continuar con las movilizaciones por la igualdad con estos versos: "Tú dices que estás harto y cansado de que protestemos, yo digo que no ha sido suficiente tiempo como para lograr un cambio; tú dices simplemente sigamos esperando, yo digo ni hablar porque no podemos dejarlo en manos del destino".Parece que el activismo político vuelve a llamar a la puerta del pianista, de hecho, Wonder ha participado en conciertos para apoyar la lucha contra la pobreza en todo el mundo, se ha mostrado públicamente contrario a las políticas de Donald Trump, ha colaborado en actividades solidarias para recaudar fondos para las víctimas por la pandemia de la <a href="https://los40.com/tag/covid_19/a/">Covid-19 y ha gritado bien alto en contra de la violencia racista de Estados Unidos, siendo uno de los primeros famosos que se arrodilló en un escenario como signo de protesta por la injusticia racial.Where is Our Love Song, sin embargo, es una balada que nos acerca mucho más a su famoso: I just called to say I love you. Y es que en su nuevo tema muestra una faceta mucho más sentimental con una balada en la que sobresale la guitarra de Gary Clark Jr. "¿Dónde está nuestra canción de amor? Otra canción de amor entre tú y yo, pero una canción de amor para toda la humanidad. ¿Dónde está nuestra canción de amor? Nuestra desesperadamente necesitada canción de amor", se pregunta.Un rejuvenecido regresoWonder, que cumplió 70 años el pasado mayo, asegura que ahora se encuentra bien tras haber recibido un trasplante de riñón en los últimos meses.Genio y prodigio del soul en los años 60, Wonder construyó en la década de los 70 una fascinante y absolutamente imaginativa discografía que fue fundamental para el desarrollo de la música negra (funk, R&B, etc.) y en la que destacan álbumes imprescindibles como Talking…

Estados Unidos está que arde en el ámbito informativo por las elecciones del próximo 3 de noviembre. Cada día son más las celebs que se unen a la campaña para pedir a la gente que vote y que exprese lo que quiere a través de las urnas. Hemos visto todo tipo de iniciativas para incitar la movilización y Demi Lovato es una de las que no se ha quedado quieta.La cantante ha decidido aportar su granito de arena a través de la música. Se reunió con Julia Michaels, Finneas (el hermano de Billie Eilish), Justin Tranter y Eren Cannata para componer Commander In Chief, un tema dirigido a Donald Trump.Reproches a Donald TrumpEn una entrevista con CNN reconoció que su primera idea fue escribir una carta al presidente de los Estados Unidos. “Luego pensé, realmente no quiero hacer eso... creo que hay una forma de hacerlo... Es escribir una canción y publicarla para que todo el mundo la escuche y luego él tenga que responderles a todos y no solo a mí”, confesaba.Y surgió este tema que presentó en los Billboard Music Awards y del que luego lanzó el vídeo en el que podemos ver a gente de diferentes edades, razas, condiciones sociales… hablando al presidente. Luego sale ella cantando en un amplio espacio lleno de luces y visiblemente emocionada."No nos rendiremos, mantendremos nuestra posición. Estaremos en las calles mientras tú eres el Comandante en Jefe”, dice la letra de esta canción. “Honestamente, si hiciera las cosas que tú haces no podría dormir. En serio, ¿conoces siquiera la verdad? Estamos en un estado de crisis, la gente se está muriendo mientras te llenas los bolsillos. Comandante en Jefe, ¿Qué se siente pudiendo respirar todavía?”, continua.Palabras duras que comparte gran parte de la población que espera que, en esta ocasión, las elecciones recojan su voz. De ahí que la campaña esté siendo tan intensa. “Tenemos que presentarnos y votar, porque es muy importante que nuestras voces sean escuchadas. Y, honestamente, ya sea que seas republicano o demócrata, simplemente sal y vota”, pedía la cantante.

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Ambas saben lo que es ser chica Disney, lo que es triunfar en la música y que toda la prensa del corazón hable sobre tu vida. Ambas son estrellas de la música. Bueno, más bien pertenecen a la realeza de la industria: son princesas del pop. Por eso, solo era cuestión de tiempo que una de ellas se atreviese a versionar una canción de la otra.Estamos hablando, por supuesto, de Miley Cyrus y Britney Spears. La que fue Hannah Montana ha sorprendido este jueves 15 de octubre con una impresionante actuación de Gimme More. Vale, es solo un adelanto, pero nos hemos quedado con ganas de más. La cantante ha grabado un Backyard Sessions para MTV donde ha querido rendir homenaje a la intérprete de Toxic. ¡Eso sí, la joven se ha llevado a su terreno la canción!Miley ha dejado más de lado la parte dance del tema original y le ha dado un toque mucho más rock, donde las guitarras, la batería y el bajo tienen principal protagonismo. Además, la joven ha optado por cantar el estribillo de una manera mucho más agresiva, dejando de lado la sensualidad con la que lo interpretaba Britney.Gimme More es una de las canciones más exitosas de Britney. El tema salió en 2007 siendo el primer single de su quinto álbum de estudio, Blackout. La canción se convirtió en todo un éxito y su actuación en los MTV Video Music Awards de ese año interpretándola, donde aparecía con un bikini negro cubierto de joyas, ya forma parte de la historia de la música.Ahora Miley, quien es una gran admiradora de la carrera de Spears, ha querido cantarla a su manera. Nos encantaría saber qué opina la propia Britney sobre esta versión. ¿La habrá escuchado?

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Pablo Alborán es uno de los artistas más queridos y reconocidos de la industria española. El malagueño ha demostrado a lo largo de su carrera que es todo un maestro en emocionarnos. Con Vértigo, su quinto álbum de estudio, el artista quiere desnudarse en cuerpo (al menos en las fotos promocionales) y alma.Tras el lanzamiento del primer single, Si hubieras querido, Pablo ha lanzado Hablemos de amor. Se trata de un himno que resume lo que significa para el artista el amor. Con distintos gestos que describe el malagueño en la letra, el artista nos cuenta todas aquellas cosas que le hacen sentir este sentimiento.Lo curioso es que, aunque el tema haga referencias a estar mucho tiempo con una persona, fue escrita antes de la pandemia, tal y como ha asegurado:“Es justo la última canción que compuse justo antes de la pandemia, después compuse algunas más, pero es curioso como algunas de las que compuse antes que parecen casi premonitorias. La frase ‘que reírnos un rato, aunque el mundo de un salto, sea el único pacto', me parece que es de brutal y cruda realidad”.Para la ocasión, Pablo ha apostado por una elegante y soberbia melodía donde el acordeón coge el protagonismo al final de la canción. La balada es un precioso viaje al mundo interior del cantante, que vuelve a demostrar su gran capacidad de emocionar.De momento tendremos que esperar hasta el 6 de noviembre, día oficial que sale Vértigo, para poder escuchar el resto de canciones.

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Malas noticias para los seguidores del freestyle. Chuty ha anunciado que este año tampoco le veremos en la Final Nacional Red Bull Batalla de los Gallos tras haber dado positivo en COVID-19.La noticia aterriza en las redes sociales un día antes de la celebración de La Última Oportunidad, en la que el madrileño, junto a otros 19 participantes, medirían su talento para ganarse su pase directo a la Final Nacional. Aunque no ha sido el único que ha comunicado su baja. DJ Verse, el encargado de hacer fluir a los participantes desde la cabina, tampoco estará."He dado positivo en el pcr que nos han realizado. Sintiéndolo mucho no estaré mañana compitiendo en la @redbullbatalla. Lo siento por quien quería verme, yo también tenía ganas y he intentado ser lo más cuidadoso posible. Suerte a mis compañer@s", comunica Chuty en sus redes sociales."En la última prueba PCR que me he realizado he dado POSITIVO EN COVID-19. Por este motivo no estaré en la última oportunidad ni en la Final Nacional de Red Bull Batalla de los Gallos", explica DJ Verse.La baja de Chuty llega días después de que BTA, el gallo malagueño, hubiese hecho pública también la suya debido al virus. Unas noticias que sientan como un jarro de agua fría para todos aquellos que esperaron durante todo el año la llegada de esta fecha.La participación de Chuty en esta final era especial. El madrileño había decidido volver a participar después de tres años. Fue en 2017 cuando decidió apartarse de la competición. Pero entonces, tanto Skone como él decidieron que el 2020 era el año elegido para volver a llevar su talento sobre el escenario nacional, y así poder ganar su pase al gran evento internacional. Parece que esto, para Chuty y sus seguidores, tendrá que esperar.Parece que la baja de Chuty no será reemplazada, por lo que serán 19 los participantes que luchen por su pase a la Final Nacional. Allí les esperarán Sweet Pain y Force, que ocuparon el segundo y tercer puesto en el evento del pasado año.¡Mucho ánimo!


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Michael Sambello y Dennis Matkosky escribieron una noche la letra de una canción llamada Maniac. Un tema sobre un asesino en serie que iba a colgar a nuestros gatos de la puerta sin ni siquiera pestañear. Lo que ambos músicos no sabían es que acababan de dar el primer paso para pasar a la historia de la música y del cine con Flashdance.Maniac se convirtió en la primera y única canción que Michael Sembello consiguió colocar en el número 1 de LOS40 tal día como hoy de hace 37 años. Obviamente no se trataba de un hit sobre un 'matagatos'. La historia de como una broma macabra pasó a convertirse en la canción más usada de todos los tiempos en el cine es fascinante.El origen de ManiacManiac es una canción interpretada y co-escrita por el músico norteamericano Michael Sembello. Inicialmente, se incluyó en la banda sonora de la película Flashdance, aunque también formó parte del primer álbum del artista, titulado Bossa Nova Hotel de 1983. Sembello tenía casi 30 años cuando consiguió este hit pero llevaba 10 años de carrera musical trabajando como músico de acompañamiento de Stevie Wonder o músico de estudio.Tanto Sembello como Matkosky se habían conocido trabajando como músicos de estudio y decidieron componer juntos y lanzarse en solitario. Tras algunas primeras canciones para películas, una noche encontraron inspiración en un asesino en serie. Algunas fuentes dicen que la inspiración vino de un thriller y otras de un artículo en la prensa.En una entrevista a Dennis Matkosky, publicada en Songwriter Universe, el músico explica qué fue lo que realmente le inspiró a la hora de escribir el primer esbozo de la letra de Maniac: "Una noche, yo estaba viendo una noticia en la que un asesino en serie había enterrado siete cuerpos en la puerta de al lado de alguna otra persona, y empecé a garabatear palabras y escribí algo así como "he's a maniac, he just moved next door, he'll kill your cat and nail it to the floor'. Enseñé la letra a Michael y ambos compusimos la canción muy rápido, como una especie de broma. Para el 'puente' de la canción, pensé en cómo una persona demente utilizaría unos palillos chinos. Phil Ramone vino al día siguiente y, en plan de broma, la tocamos, Él dijo 'Estoy trabajando en esta película y puedo utilizar esta canción si reescribes la letra adaptada al guión del filme, y eso es lo que hicimos".<a href="https://los40.com/los40/2013/01/01/los40classic/1356994800_310760.html">La película era Flashdance</a> y el resto ya es historia de la música y del cine. Lo que Sembello y Matkosky no contarían hasta años después es que la compusieron mientras tomaban un relajante baño en un jacuzzi. Y así fue como el maniaco asesino se transformó en una maniaca bailarina. El séptimo arte también aportó su versión en la que la mujer de Sembello fue la que mandó a Paramount Pictures la canción para que fuera incluida en la banda sonora.El éxito de ManiacEl éxito de Flashdance fue fulgurante en todo el mundo y su banda sonora fue de la mano. Sin embargo, la gloria inicial no sería para Maniac sino para What a feeling de Irene Cara que se llevó el Oscar a la Mejor Canción. Algo similar a lo que sucedió con la protagonista del vídeo y de <a href="https://los40.com/los40/2017/01/23/album/1485191370_032868.html">las escenas de baile de la película</a> que realmente no fue Jennifer Beals sino la doble francesa Marine Jahan.Con el paso del tiempo, Sembello consiguió que su creación fuera la canción más usada en la historia del cine aunque siempre atribuyó ese mérito al largometraje y no a su trabajo. Maniac es una de las canciones más icónicas de los 80’s. Un éxito rotundo que vendió millones de copias y encabezó las listas de todo el mundo. La banda sonora también fue nº 1 en Australia, Austria, Alemania, Japón, Noruega, Suecia y Suiza.De Maniac se han hecho más de una treintena de versiones a lo largo de los años. Sembello siguió publicando álbumes y contribuyó con sus composiciones a otras películas como Cocoon, Independence Day o Gremlins.…

<a href="https://los40.com/tag/stevie_wonder/a/">Stevie Wonder demostró con Part-time lover que a veces la vida te quita algo para darte otra cosa. O al menos eso creemos cuando celebramos los 35 años de su llegada al número 1 de LOS40. La historia de una infidelidad que llegó a lo más alto en todo el mundo.Una canción que cuenta la historia de un hombre que engaña a su chica con una amante, y al final descubre que también ella le está siendo infiel. Stevie Wonder quiso contar de primera mano su propia experiencia personal.El origen de Part-time loverPart-time lover es una de las 10 canciones que el músico grabó para su vigésimo álbum de estudio, In square circle (1985). Habían pasado cinco años desde el anterior, Hotter than July (1980), aunque durante ese tiempo no había parado su actividad. Entre otras cosas, escribió cuatro canciones inéditas para su retrospectivo Original Musiquarium I (1982), colaboró con Paul McCartney en Evony and Ivory y se encargó de la banda sonora de The woman in red (1984), algo que no sentó bien el jefe de Motown Berry Gordy.In square circle se grabó entre 1984 y 1985 en Wonderland, estudios propiedad del artista situados en Los Ángeles (California). Además de componer la letra y la música de todo el repertorio, Stevie Wonder también lo produce, lo arregla y, como es habitual, se encarga de la mayor parte de la música: sintetizadores, batería, percusión, acordeón, clavicordio, armónica, piano eléctrico y acústico, vocoder, percusión ambiental (sonidos de pájaros, océano, piedras, grillos. crujido de hojas) o Kora.Part-time lover fue el primer single de la Cara A del álbum, una canción que destaca también por la aportación vocal de Luther Vandross. Además de unirse a los coros, se puede escuchar al cantante de R&B tarareando al final de cada verso.El sonido de las canciones de los años 60’s fue reconocido por Stevie Wonder en ese momento. En concreto, el artista señala la influencia de The Supremes: "La primera vez que escuché Part-time lover, pensé en You can’t hurry love. Uh-huh. Es una combinación de You can’t hurry love y My world is empty without you".Wonder reiteró lo mucho que ese material reflejaba su propia vida, de primera mano. "Seguro, un montón de canciones que escribo parten de mi experiencia personal", reveló al periodista británico David Nathan. "Recuerdo cuando yo estaba rompiendo con una chica y estaba viendo a esta otra chica. Llegué a casa y un tipo llamó por teléfono y disfrazó su voz, intentando sonar como una de sus novias, preguntando si ella andaba por ahí"El videoclip de Part-time lover se rodó en Nueva York bajo la dirección de Bill Parker y además de imágenes de una pareja viendo la televisión y haciendo vidas separadas intercala escenas de Stevie Wonder actuando ante un teclado.Part-time lover, un número 1 mundialPart-time lover convirtió a Stevie Wonder <a href="https://los40.com/los40/2020/05/13/los40classic/1589357730_131396.html">en el primer artista en la historia que alcanzaba el número 1 simultáneamente en cuatro listas Billboard diferentes: Hot 100, R&B, Dance y Adulto Contemporáneo. Fue en Noviembre de 1985. Pero el éxito del tema no se redujo solo a Estados Unidos. El single fue también un enorme hit en Bélgica, Canadá, Irlanda, Nueva Zelanda, Portugal o España, donde llegó al nº 1. En Italia fue nº 2 y en Australia, Francia, Suecia y Reino Unido se situó en la tercera posición.El 4 de Mayo de 1985, Stevie Wonder estrenó Part-time lover en directo, acompañado de Boy George. Fue en el legendario Teatro Apollo de Nueva York, dentro del concierto Motown Returns to the Apollo.El repertorio de los 80’s de Stevie Wonder no cuenta con tantos remakes como su material de décadas anteriores. No obstante, Part-time lover atrajo a una variedad de músicos de géneros diferentes, incluido el reggae (Tanya Stephens de Jamaica), bossa nova (Romulo Gomes de Brasil), ‘middle-of-the-road’ (Paul Mauriat de Francia) o jazz (Brandon Fields, saxofonista americano que grabó un álbum…

Que la Fundación Princesa de Asturias haya elegido las antiguas instalaciones de la <strong>Fábrica de Armas de la Vega en Oviedo</strong> para realizar <strong>algunos de los actos que ha ido programando durante los últimos años</strong>, no es casualidad.La Vega es una extensión de terreno de más de 12 hectáreas ocupado, en un principio, por el palacio del rey más importante de la monarquía asturiana, Alfonso II el Casto (siglos VIII-IX) y, posteriormente por el monasterio de Santa María la Real de la Vega, adonde se retiró en el siglo XII Gontrodo Petri, madre de la hija del rey Alfonso VII, llamada Urraca, reina de Navarra, también conocida como Urraca "la asturiana". <strong>Con el tiempo, esta extensión de terreno monacal acogió a una de las más importantes fábricas</strong> de armas de España, hoy en desuso.Sus asombrosas naves, construidas en ladrillo a finales del siglo XIX y en hormigón y hierro fundido, a <strong>principios del XX se prestan</strong>, incluso en ese digno estado que denota el paso del tiempo, para múltiples ideas.Y la Fundación Princesa de Asturias se apuntó el tanto porque el escenario da mucho juego. Ayer jueves, y con motivo de la celebración de esta rara edición de los <a href="https://www.20minutos.es/minuteca/premios-princesa-de-asturias/">Premios Princesa de Asturias</a>, la cuarenta ya, y que, <strong>debido a la situación sanitaria que está viviendo el mundo entero</strong> está guardando todas las precauciones sanitarias para la celebración de éste y de todos los eventos (dispositivo rastreador anti-covid, gel hidroalcohólico, control del D.N.I. a todos los asistentes, etc), se celebró un inolvidable concierto en el que las creaciones de dos dioses de la <strong>música sinfónica y cinematográfica del siglo XX</strong> dio calor y color a la fría noche de octubre.Galardonados con el Premio Princesa de Asturias 2020 de las Artes, Ennio Morricone y John Williams eran los protagonistas, a través de sus melodías, del evento <strong>más mágico de los celebrados para el público en general</strong>, dentro de los programados.El espíritu del gran compositor italiano Ennio Morricone (Roma 1928-6 julio 2010) y la vida del compositor más laureado de la historia de la música, John Williams (Nueva York 1932) <strong>sobrevolaron los 5.184 metros cuadrados de espacio de la nave denominada 'Taller de cañones, nave de Sánchez del Río',</strong> su ingeniero creador en 1940 y desde donde se avista el prerrománico templo alfonsino de San Julián de los Prados.Sus creaciones musicales fueron interpretadas, en la primera parte, a la batuta, por un muy enérgico y entregado Andrea Morricone, hijo de Ennio, dirigiendo a una inmensa OSPA (Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, una de las más veteranas de España) y en la segunda parte, por el magnífico director de orquesta ovetense, de proyección internacional, Óliver Díaz. <strong>Los ochenta y cuatro componentes de la OSPA nos hicieron soñar con su maestría,</strong> integrándose completamente en el repertorio, cuidadosamente seleccionado.En el concierto, que comenzó diez minutos pasadas las ocho se desgranaron varios de los temas, de entre los más conocidos, de <strong>estos dos genios de la música contemporánea,</strong> especializados en bandas sonoras para cine.Compartimentados en cuatro bloques, los temas que lideró Morricone, recordando a su padre fallecido y laureado en múltiples ocasiones, nos hicieron recordar películas tan conocidas como Los intocables de Eliot Ness y Érase una vez América, con Déborah’s Theme, tan interpretado por el maestro romano. Otras piezas inolvidables fueron el Tema de amor de Cinema Paradiso, primera composición de Andrea Morricone para el cine, el conocido y mágico Gabriel’s oboe de <strong>La Misión que provocó numerosos aplausos dirigidos al oboísta</strong> de la OSPA Juan A. Ferriol, y los clásicos dentro del cine de Sergio Leone como Hasta que llegó su hora o El bueno, el feo y el malo. En esta parte del repertorio…