[персоналка] сначала фотки пространства, а потом будет короткое саммари.
[подготовка персоналки]
самый важный и новый опыт - работа с кураторкой и с архитекторкой.
Аня сразу предложила, что нам нужна будет архитектура - иначе нам бы просто не хватило места. Но было важно, чтоб живопись не «сменила» медиум, не превратилась в дополнение к инсталляции и чтоб архитектура подчёркивала контекст работы. И мы тогда придумали условную детскую площадку (спасибо большое, Саша Павловская тебе, за тот длинный разговор про пространства), в котором живопись будет как бы немного «прятаться» в переходах, а зрителям придется как бы «кружить». Это все мысли мы вывали на Майю и она визуализировала и рассчитала, как это можно сделать физически: взяла элемент арки, ступеньки и стенки. Мне нравится, что ступенька получилась не большая, не опасная, но при этом весьма ощутимая.
Плюс было важно выделить отдельное место для того, чтобы показать немножко рисечь, откуда растет вся серия. И тогда появился отдельный домик-кубик. В идеале я, конечно, хотела ничего на него не крепить, но за недостатком места, мы повесили на него две работы. Но, чтоб подчеркнуть, что кубик внутри - это отдельный, другой элемент экспозиции, мы оставили ближайшую к нему стену совсем пустой.
фотки ⬆️⬆️⬆️
самый важный и новый опыт - работа с кураторкой и с архитекторкой.
Аня сразу предложила, что нам нужна будет архитектура - иначе нам бы просто не хватило места. Но было важно, чтоб живопись не «сменила» медиум, не превратилась в дополнение к инсталляции и чтоб архитектура подчёркивала контекст работы. И мы тогда придумали условную детскую площадку (спасибо большое, Саша Павловская тебе, за тот длинный разговор про пространства), в котором живопись будет как бы немного «прятаться» в переходах, а зрителям придется как бы «кружить». Это все мысли мы вывали на Майю и она визуализировала и рассчитала, как это можно сделать физически: взяла элемент арки, ступеньки и стенки. Мне нравится, что ступенька получилась не большая, не опасная, но при этом весьма ощутимая.
Плюс было важно выделить отдельное место для того, чтобы показать немножко рисечь, откуда растет вся серия. И тогда появился отдельный домик-кубик. В идеале я, конечно, хотела ничего на него не крепить, но за недостатком места, мы повесили на него две работы. Но, чтоб подчеркнуть, что кубик внутри - это отдельный, другой элемент экспозиции, мы оставили ближайшую к нему стену совсем пустой.
фотки ⬆️⬆️⬆️
[персоналка-2: еще научилась]
🔦 есть специальные машины indigo, считающиеся «цифровым офсетом» - это лазерная печать, но она матовая;
🔦 профессиональная полиграфия может многое, чего не можешь ты сама, помимо качества печати - например, сложить, свернуть, нарезать и это выглядит сильно круче, чем когда ты делаешь это сама;
🔦 важно выставлять свет в рамках одной стены под одним углом, так как искусственный свет наш мозг воспринимает все равно как естественный. И когда пучки света разнонаправлены, мозг дезориентируется и смотреть не приятно.
🔦 нашла идеальный для себя staple gun - это Rapid. Все это время я думала, что у меня кривые руки, оказалось - кривой инструмент. Теперь только он.
🔦 чуть по-лучше стало с доверием, что многие вещи могут, быть сделаны без меня и все будет хорошо. искреннее спасибо artwin team.
🔦 есть специальные машины indigo, считающиеся «цифровым офсетом» - это лазерная печать, но она матовая;
🔦 профессиональная полиграфия может многое, чего не можешь ты сама, помимо качества печати - например, сложить, свернуть, нарезать и это выглядит сильно круче, чем когда ты делаешь это сама;
🔦 важно выставлять свет в рамках одной стены под одним углом, так как искусственный свет наш мозг воспринимает все равно как естественный. И когда пучки света разнонаправлены, мозг дезориентируется и смотреть не приятно.
🔦 нашла идеальный для себя staple gun - это Rapid. Все это время я думала, что у меня кривые руки, оказалось - кривой инструмент. Теперь только он.
🔦 чуть по-лучше стало с доверием, что многие вещи могут, быть сделаны без меня и все будет хорошо. искреннее спасибо artwin team.
Forwarded from ПОСТКРИВДА (Кир Шаманов) (NIC STAVROGIN)
Нестор Поварнин. «Возвращение Ивана Билибина»
2015г., тушь, бумага.
30х40см.
ПРОДАЁТСЯ кстати! 500 Евро, оформлена, пишите в личку.
2015г., тушь, бумага.
30х40см.
ПРОДАЁТСЯ кстати! 500 Евро, оформлена, пишите в личку.
Прошлым летом Савий была в Москве и я мечтала с ней встреться. Но стеснялась написать в личку Fragment. И Коммерсант не правильно ее фамилию пишет.
Forwarded from ArtFragment
Ну и если пропустили ее интервью год назад в «Коммерсантъ Арт», то вот оно:
https://www.kommersant.ru/doc/4067684
https://www.kommersant.ru/doc/4067684
Коммерсантъ
«Сила живописи в том, что она бесполезна»
Дженни Савиль
[образ-кристал в 2х состояниях]
Забавно. Я никогда не считала в своей практике картину смысловой единицей. В экспозиции Карусели 14 картин. Они все вместе и есть на самом деле одна [работа] или [высказывание]. Так изначально было рассчитано, что они вместе создают пере-крестные отражения друг от друга и это создает поле и это и есть образ-кристал по Делезу (это один из вариантов образа-времени). Его нельзя сделать одним изображением, только со-отношением.
Что я не учла и не могла учесть - что работы покупаются и, конечно, они покупаются после выставки и даже на выставке - Артвин знает свое дело. Никто не может купить 14 картин разом, понятно, нереально. Но я в сложных чувствах. Мой кристал-образ-время расходится как будто из концентрированного состояния на осколки, становится распределенным и я не могу предсказать соберется ли когда-то он опять. И я только надеюсь, что он не потеряет силу в этом распределенном состоянии.
М.б., они всегда должны расходиться. И еще вопрос из вопросов - могут ли состыковаться два разных кристала между собой?
Забавно. Я никогда не считала в своей практике картину смысловой единицей. В экспозиции Карусели 14 картин. Они все вместе и есть на самом деле одна [работа] или [высказывание]. Так изначально было рассчитано, что они вместе создают пере-крестные отражения друг от друга и это создает поле и это и есть образ-кристал по Делезу (это один из вариантов образа-времени). Его нельзя сделать одним изображением, только со-отношением.
Что я не учла и не могла учесть - что работы покупаются и, конечно, они покупаются после выставки и даже на выставке - Артвин знает свое дело. Никто не может купить 14 картин разом, понятно, нереально. Но я в сложных чувствах. Мой кристал-образ-время расходится как будто из концентрированного состояния на осколки, становится распределенным и я не могу предсказать соберется ли когда-то он опять. И я только надеюсь, что он не потеряет силу в этом распределенном состоянии.
М.б., они всегда должны расходиться. И еще вопрос из вопросов - могут ли состыковаться два разных кристала между собой?
[не надо много и подряд]
В четверг мы с Антоном Кушаевым обсудили феномен послевыставочного отходоса. Я надеялась, еще в августе - хаха наивно - у меня такого не будет. Но я уже пару недель с трудом заставляю себя вставать и что-то, хоть что-то делать. В основном, это необходимый минимум, честно говоря, «помыться и почистить зубы» не всегда в него входит.
Самая жесть, что почти через две недели я должна открыть выставку на Фабрике, это по условиям моей резиденции. Я буду делать выставку про процесс - т.к. на [Сказку] во плоти мне нужно еще год, это минимум, возможно, больше. Но сделать про процесс на достаточно качественном уровне ничуть не проще.
Не делайте три выставки подряд, не надо.
В четверг мы с Антоном Кушаевым обсудили феномен послевыставочного отходоса. Я надеялась, еще в августе - хаха наивно - у меня такого не будет. Но я уже пару недель с трудом заставляю себя вставать и что-то, хоть что-то делать. В основном, это необходимый минимум, честно говоря, «помыться и почистить зубы» не всегда в него входит.
Самая жесть, что почти через две недели я должна открыть выставку на Фабрике, это по условиям моей резиденции. Я буду делать выставку про процесс - т.к. на [Сказку] во плоти мне нужно еще год, это минимум, возможно, больше. Но сделать про процесс на достаточно качественном уровне ничуть не проще.
Не делайте три выставки подряд, не надо.
маленький анонc:
А) про research-based art
В) концептуализм и невроз;
С) кусочек текста Дьяконова про Карусель
А) про research-based art
В) концептуализм и невроз;
С) кусочек текста Дьяконова про Карусель
[based или не based]
Недавно узнала, что у Базы есть отделение research-based art. С моей точки зрения, не понятно, зачем выделять отдельно такой курс. Любое визуальное искусство, СИ, ювелирное, фэшн, перформанс, кино, анимация - основываются на рисече. Во многом, образование и заключается в том, чтоб выработать у студентов привычку и культуру рисеча.
У меня есть ощущение, что в Москве «research-based» в основном понимается как «работа с архивами». Для меня это слишком узкое понимание исследования.
Формирование собственных коллекций, тесты материалов, эскизы, скетчи, раскадровки, выкраски и тд. - тоже являются художественным исследованием, хотя в российском контексте, часто, не воспринимаются как таковое. И напрасно - в отсутствие эскизов и исследования материалов, работы порой оказываются сделаны откровенно трэшово. И нет, увы, это вовсе не «отсылка к низовой культуре и бедному», а просто отсутствие культуры художественного исследования: вместо 120 тестов сделали один, этот один тут же и выставили, ну и сойдет.
И я знаю, почему так происходит. В российском СИ, как мне кажется, слишком сильна тенденция отождествлять «хорошее» и «современное» искусство с концептуализмом. Для многих концептуалистов вопрос материальности предельно свернут. Немного лукавство. Не из первой попавшейся ветки можно сделать работу Монастырского. Найти подходящую ветку - это и есть, в данном случае, «работа с материалом». Просто этап «как именно сделать» делегируется исполнителям, но это не означает, что он совершенно не важен.
Как работа в архиве - всего лишь один из многих-многих вариантов рисеча, так и концептуализм - один из вариантов искусства.
Как и тело, искусство живо и здорОво своей материальностью, но об этом в следующей серии.
Недавно узнала, что у Базы есть отделение research-based art. С моей точки зрения, не понятно, зачем выделять отдельно такой курс. Любое визуальное искусство, СИ, ювелирное, фэшн, перформанс, кино, анимация - основываются на рисече. Во многом, образование и заключается в том, чтоб выработать у студентов привычку и культуру рисеча.
У меня есть ощущение, что в Москве «research-based» в основном понимается как «работа с архивами». Для меня это слишком узкое понимание исследования.
Формирование собственных коллекций, тесты материалов, эскизы, скетчи, раскадровки, выкраски и тд. - тоже являются художественным исследованием, хотя в российском контексте, часто, не воспринимаются как таковое. И напрасно - в отсутствие эскизов и исследования материалов, работы порой оказываются сделаны откровенно трэшово. И нет, увы, это вовсе не «отсылка к низовой культуре и бедному», а просто отсутствие культуры художественного исследования: вместо 120 тестов сделали один, этот один тут же и выставили, ну и сойдет.
И я знаю, почему так происходит. В российском СИ, как мне кажется, слишком сильна тенденция отождествлять «хорошее» и «современное» искусство с концептуализмом. Для многих концептуалистов вопрос материальности предельно свернут. Немного лукавство. Не из первой попавшейся ветки можно сделать работу Монастырского. Найти подходящую ветку - это и есть, в данном случае, «работа с материалом». Просто этап «как именно сделать» делегируется исполнителям, но это не означает, что он совершенно не важен.
Как работа в архиве - всего лишь один из многих-многих вариантов рисеча, так и концептуализм - один из вариантов искусства.
Как и тело, искусство живо и здорОво своей материальностью, но об этом в следующей серии.
[концептуализм и невроз]
Если художница работает с концептуальными задачами и считает конструкции языка/мысль своим основным медумом, а производство материального объекта не важным - это один вариантов подхода к практике (как я писала тут, материальность все равно важна, но свернута), варум бы и нихт. Но когда мы говорим не об отдельных художницах, а о крене культуры в целом - это совсем другая ситуация. Если культура признает концептуализм «лучшим» или «современным» искусством и транслирует, что материальность искусства не важна, тк тело объекта или заменимо, или обслуживает рынок, и поэтому, должно быть нивелировано ради ..... или чтобы ////////// - такой крен надо бы осмыслить. Транслирует, что важно, на уровне разных и мнОгих институций, от образовательных до музейных.
Мне наш крен напоминает две вещи. Первое, это по сути старая добрая идея о том, что «дух» сильнее, важнее, ценнее, чище, благороднее, прекраснее «плоти», которая есть что-то временное, не важное, презренное, преходящее, низкое и тд.
И второе, более интересное. Тенденция игнорировать собственную материальность, т.е. телесность, не доверять телесным, то есть эмоциональным и психофизиологическим сигналам, жить «внутри головы» и вообще ставить в приоритет интеллект - это весьма конкретный признак невроза, как правило, вследствие перенесенных травм. С моей точки зрения то, что наша культура несет в себе следы многих травм, вполне очевидно. И как человеку, избегающему встречи со своим телом нужно учиться его чувствовать а еще лучше, телом наслаждаться, так же, на мой взгляд, современному российскому искусству важно начать уделять больше внимания материальности искусства. При чем лучше всего - просто ради наслаждения материальностью, пластичностью, игривостью - когда материал/форма важны сами по себе, а не ради яркого эффектного результата и не ради того, чтоб заполнить офигительное пафосное гигантсвое пространство музея или чего бы то ни было. Мне кажется, нашей культуре такого ощущения в искусстве остро не хватает. Вполне понятно почему: скелетов в шкафах целая армия, только успевай вытаскивать. И, конечно, в позднем СССР, концептуализм имел важную спасательную миссию и спасибо за это.
На мой взгляд, кстати, одни из самых активных художников, двигающихся в эту сторону как раз те, кто работают с телом в перформансе и осознанном движении, такие как Вера Приклонская и Аня Кравченко.
Если художница работает с концептуальными задачами и считает конструкции языка/мысль своим основным медумом, а производство материального объекта не важным - это один вариантов подхода к практике (как я писала тут, материальность все равно важна, но свернута), варум бы и нихт. Но когда мы говорим не об отдельных художницах, а о крене культуры в целом - это совсем другая ситуация. Если культура признает концептуализм «лучшим» или «современным» искусством и транслирует, что материальность искусства не важна, тк тело объекта или заменимо, или обслуживает рынок, и поэтому, должно быть нивелировано ради ..... или чтобы ////////// - такой крен надо бы осмыслить. Транслирует, что важно, на уровне разных и мнОгих институций, от образовательных до музейных.
Мне наш крен напоминает две вещи. Первое, это по сути старая добрая идея о том, что «дух» сильнее, важнее, ценнее, чище, благороднее, прекраснее «плоти», которая есть что-то временное, не важное, презренное, преходящее, низкое и тд.
И второе, более интересное. Тенденция игнорировать собственную материальность, т.е. телесность, не доверять телесным, то есть эмоциональным и психофизиологическим сигналам, жить «внутри головы» и вообще ставить в приоритет интеллект - это весьма конкретный признак невроза, как правило, вследствие перенесенных травм. С моей точки зрения то, что наша культура несет в себе следы многих травм, вполне очевидно. И как человеку, избегающему встречи со своим телом нужно учиться его чувствовать а еще лучше, телом наслаждаться, так же, на мой взгляд, современному российскому искусству важно начать уделять больше внимания материальности искусства. При чем лучше всего - просто ради наслаждения материальностью, пластичностью, игривостью - когда материал/форма важны сами по себе, а не ради яркого эффектного результата и не ради того, чтоб заполнить офигительное пафосное гигантсвое пространство музея или чего бы то ни было. Мне кажется, нашей культуре такого ощущения в искусстве остро не хватает. Вполне понятно почему: скелетов в шкафах целая армия, только успевай вытаскивать. И, конечно, в позднем СССР, концептуализм имел важную спасательную миссию и спасибо за это.
На мой взгляд, кстати, одни из самых активных художников, двигающихся в эту сторону как раз те, кто работают с телом в перформансе и осознанном движении, такие как Вера Приклонская и Аня Кравченко.
[кадр]
кадры бывают просто и те, которые немедленно хочется сделать живописью. Потому что живопись может изменить кадр так, что он из «случайного» и «рядоположенного» станет значимым и еще более прекрасным
нашла обалденно красивый из архивной с’емки пионерского лагеря и вот думаю - делать его или, побояться, что меня обзовут Люком Тоймансом.
кадры бывают просто и те, которые немедленно хочется сделать живописью. Потому что живопись может изменить кадр так, что он из «случайного» и «рядоположенного» станет значимым и еще более прекрасным
нашла обалденно красивый из архивной с’емки пионерского лагеря и вот думаю - делать его или, побояться, что меня обзовут Люком Тоймансом.
[фрагмент текста Дьяконова]
про выставку «Как в детстве карусель». Мне больше всего нравится про глокую куздру, потому что моя работа точно, про связи.
«...
Семидесятые, которыми Мика Плутицкая занимается в трехчастном проекте «Лесной олень», тоже принадлежат к активной памяти большого количества живых свидетелей. Тем не менее, это время уже сказочное, о чем прямо-таки кричит название самой известной книги об эпохе — «Это было навсегда, пока не кончилось» Алексея Юрчака. Художница всячески подчеркивает, что о точности речи не идет. Она включает пейзаж из мультфильма о Маугли, шоукейса авангардной музыка композитора Софьи Губайдуллиной, в картину с разрушенным ИНИОНом.
...
За пределами фактической информации, взятой из текста рамки, на снимке - «глокая куздра» академика Щербы, нечто, сотней щупальцев присосавшееся к нашему времени, но фактически завершенное. Мы ничего не знаем о ней, и знаем все, особенно если склонны интересоваться гендерными расстановками в позднесоветской культуре.»
про выставку «Как в детстве карусель». Мне больше всего нравится про глокую куздру, потому что моя работа точно, про связи.
«...
Семидесятые, которыми Мика Плутицкая занимается в трехчастном проекте «Лесной олень», тоже принадлежат к активной памяти большого количества живых свидетелей. Тем не менее, это время уже сказочное, о чем прямо-таки кричит название самой известной книги об эпохе — «Это было навсегда, пока не кончилось» Алексея Юрчака. Художница всячески подчеркивает, что о точности речи не идет. Она включает пейзаж из мультфильма о Маугли, шоукейса авангардной музыка композитора Софьи Губайдуллиной, в картину с разрушенным ИНИОНом.
...
За пределами фактической информации, взятой из текста рамки, на снимке - «глокая куздра» академика Щербы, нечто, сотней щупальцев присосавшееся к нашему времени, но фактически завершенное. Мы ничего не знаем о ней, и знаем все, особенно если склонны интересоваться гендерными расстановками в позднесоветской культуре.»
[инклюзия]
в четверг открыли на Фабрике Типовой Проект. Формально - это не выставка, а «посещение мастерской». И я выставила не результат, а процесс работы над Сказкой. Так как конвенционально живопись висит вертикально, я опустила
процесс рисеча в горизонталь и показала его на столах, рассчитывая расстояние столешниц от пола на «средний рост» - т.е. на 75 см. И все хорошо, но в четверг одной из посетительниц была девушка, передвигающаяся на коляске. Конечно, ей было неудобно смотреть столы, и видосы оказались совсем не доступны, так как там не хватало «угла».
Жесть даже не в том, что я не нашла какое-то инклюзивное техническое решение. Столешницы под углом технически гораздо сложнее, соотвественно более времяемки и дороги, плюс, я бы не справилась без услуг грамотного плотника. Более адекватное решение я, и не могла себе позволить финансово. Но жесть не в том, что я не сделала в силу ограничений, а в том, что я даже не подумала о такой необходимости.
Я не могу сказать, что почувствовала стыд - но очень досадовала на себя за это отсутствие мысли о самой возможности разных конфигураций тел зрителей. В идеале, конечно, угол столешниц должен был бы регулироваться пультом. И я еще пофантазировала про высотку картин, которая теоретически могла бы регулироваться пультом.
в четверг открыли на Фабрике Типовой Проект. Формально - это не выставка, а «посещение мастерской». И я выставила не результат, а процесс работы над Сказкой. Так как конвенционально живопись висит вертикально, я опустила
процесс рисеча в горизонталь и показала его на столах, рассчитывая расстояние столешниц от пола на «средний рост» - т.е. на 75 см. И все хорошо, но в четверг одной из посетительниц была девушка, передвигающаяся на коляске. Конечно, ей было неудобно смотреть столы, и видосы оказались совсем не доступны, так как там не хватало «угла».
Жесть даже не в том, что я не нашла какое-то инклюзивное техническое решение. Столешницы под углом технически гораздо сложнее, соотвественно более времяемки и дороги, плюс, я бы не справилась без услуг грамотного плотника. Более адекватное решение я, и не могла себе позволить финансово. Но жесть не в том, что я не сделала в силу ограничений, а в том, что я даже не подумала о такой необходимости.
Я не могу сказать, что почувствовала стыд - но очень досадовала на себя за это отсутствие мысли о самой возможности разных конфигураций тел зрителей. В идеале, конечно, угол столешниц должен был бы регулироваться пультом. И я еще пофантазировала про высотку картин, которая теоретически могла бы регулироваться пультом.