10 лучших приемов в Figma или как вырасти до уровня Senior

Иногда требуется всего несколько небольших изменений в работе, чтобы быстро повысить свой профессиональный уровень. Эти советы помогут вам ускорить рабочий процесс и добиться высшего качества созданных вами проектов. Возможно, кому-то они покажутся очевидными. Но трюк в том, что мы чаще всего отмахиваемся именно от самых очевидных советов, хотя они и лежат в основе профессионального роста.

1. Используйте компоненты для создания наборов элементов
Когда нужно создать большое количество вариантов кнопок, полей ввода и так далее, вам может потребоваться куча драгоценного времени. Что если вы решите, что радиус скругления 8 пикселей выглядит лучше, чем 12, или захотите внести другие корректировки.

Используя родительские компоненты для создания различных вариантов и состояний, мы можем упростить эту задачу. Потребуется внести одну корректировку в родительский компонент, и она приведет к изменениям во всех дочерних компонентах.
Для этого создайте родительский компонент со всеми характеристиками, текстом и иконками, которые присутствуют во всех вариантах. После чего в дочерних компонентах вам нужно будет лишь скрыть ненужные элементы.
Сами родительские компоненты необязательно должны быть частью дизайна, их можно разместить рядом на той же странице или во фрейме. Используйте «.» или «_» в названии, чтобы предотвратить их размещение как часть библиотеки компонентов.

2. Сохраняйте файлы с обложками
При большом количестве проектов бывает трудно найти нужный файл в Figma.
Создание обложки – это простое и действенное решение, которое позволит сделать проекты узнаваемыми и упростит их поиск.
Все, что нужно для создания обложки:
Создайте страницу в документе и назовите ее «Обложка» (как вариант, но не обязательно)
Нарисуйте фрейм для изображения обложки (лучший размер для этого – 1920 x 960).
Наполните обложку такими элементами дизайна, как логотип или другими символическими изображениями, которые помогут вам и вашей команде узнать проект.
Щелкните на фрейм правой кнопкой мыши и выберите «Set as thumbnail» (Установить, как миниатюру).

3. Используйте стили буквально для всего
Воспринимайте стили как компоненты для цвета, текста, эффектов и обводки.
Когда мы создаем дизайн с использованием стилей, можно без потери времени поэкспериментировать с обводкой, текстом и цветом во всех элементах дизайна с примененным стилем. Одно быстрое изменение и дизайн автоматически обновится во всех экземплярах, на которые ссылается этот стиль.
Использовать пипетку и просто заливать цвета там, где они нам нужны – заманчиво, но я настоятельно рекомендую использовать эту передовую практику как можно чаще. Стили избавят нас от головной боли и позволят делать исправления моментально.
Кроме того, если вы хотите организовать свои компоненты в папки, например «Brand Colors», используйте слэш для разделения названия: Brand Colors / Primary.

4. Организовывайте наборы вариантов с помощью Auto Layout
Знаете ли вы, что можно организовать варианты элементов с использованием автоматического макета? Выделите нажатием фрейм с набором вариантов и нажмите Shift + A. С Auto Layout очень просто упорядочить компоненты.
Это плавно подводит нас к следующему пункту.

5. Используйте Auto Layout для всего
Auto Layout – один из самых важных навыков, которым должен обладать любой современный UI-дизайнер.
Auto Layout полностью меняет правила игры в продуктовом дизайне. Он ​​позволяет более точно подходить к разработке продукта, и поддерживаться согласованности и масштабируемости в проектном файле.

Разрабатывая дизайна с применением Auto Layout, мы можем значительно сэкономить время на удалении содержимого, добавлении содержимого, построении строк с похожим содержимым, создании адаптивных компонентов и многом другом.
Я разрабатываю каждую страницу, используя Auto Layout. Это дает возможность быстро регулировать интервалы или добавлять и удалять контент. Поэтому нет необходимости передвигать элементы попиксельно для их выравнивания и тратить на этот процесс лишнее время.

6. Создавайте блок-схемы для экранов
По мере того как проектные файлы растут, в них могут легко запутаться другие люди, которые не сидят над этим дизайном изо дня в день.
Чтобы облегчить процесс восприятия дизайна для клиента или коллеги, вы можете показать процесс работы программы, продемонстрировав блок-схемы.
Для этого я использую не очень известный прием – просто скопируйте и вставьте коннектор из FigJam в Figma. После этой манипуляции все функции коннектора сохранятся, и вы сможете видоизменять его на свое усмотрение. Это очень удобный способ создания блок-схем для демонстрации и визуализации работы приложения.

7. Используйте функцию Сonstraints (Ограничения)
Чтобы фрейм оставался организованным и адаптируемым, используйте Constraints. Эта функция отвечает за то, как будут реагировать объекты, когда мы изменим размер их фреймов в Figma. Constraints помогают контролировать внешний вид дизайна на экранах разных размеров и на разных устройствах. Это облегчит работу и избавит нас от необходимости вносить коррективы каждый раз, когда нужно изменить размер фрейма.
Если вы когда-нибудь захотите проигнорировать Constraints, устанавливающие ограничения для объектов в фрейме, все, что нужно сделать, это удерживать CMD или CTRL в процессе изменении размера фрейма.

8. Создавайте макеты для компонентов
Создание компонента для карточки — это здорово, но что делать, если нужен целый список карточек? Вот где пригодятся макеты. Они сэкономят массу времени и облегчат нам жизнь.
Идея макетов была популяризирована Брэдом Фростом в книге «Методология атомарного дизайна», и это довольно простая концепция.

Вот как это работает: допустим, у нас есть компонент и это сообщения в блоге. Этот компонент содержит изображение и текст. Что ж, мы могли бы клонировать компонент и разместить его в десяти экземплярах на каждом артборде, где должен быть список блогов.

Или мы можем создать макет блога, а затем поместить этот макет в файл проекта. Теперь, когда будет нужно добавить контент или внести изменения в пространство между компонентами, это можно настроить в родительском макете блога.

9. Организация компонентов
Нет ничего хуже, чем открыть чужой дизайн-файл и понять, что у вас нет возможности внести изменения в основные компоненты, не прибегая к щелканью правой кнопкой мыши и нажатию на «Go to the main component». Эта проблема возникает тогда, когда компоненты не организованны отдельно от дизайна.
Это отсутствие организации обязательно приведет к лишним действиям и трате времени. Поэтому я всегда рекомендую перемещать все родительские компоненты на предназначенную для них страницу или в отдельное место в проектном файле. Это упрощает изменение компонентов и обнаружение несоответствий. Еще лучше, когда дизайнеры организуют свои компоненты с помощью заголовков. Например, отдельная страница для кнопок, цветовых стилей, полей ввода и так далее.
Чем лучше будут выглядеть дизайн-файлы, тем лучше будут выглядеть сами дизайны.

10. Используйте Loom
Что такое Loom? Loom позволяет записывать экран и быстро отправлять видео. Он очень выручает, когда не совпадает время для обсуждения дизайна или вам приходиться набирать большое количество текста. Это незаменимый инструмент для удаленной работы. Loom сэкономит вам бесчисленное количество встреч и сохранит бесценное время, которые вы можете потратить на дизайн.

Если ваша команда находится в разных часовых поясах, у вас сумасшедшие графики, нет офиса или просто не можете поболтать – попробуйте использовать Loom.

Источник

​​Использование реальных данных в Figma

Сейчас создается целая уйма программного обеспечения и инструментов для преодоления разрыва между проектированием и разработкой. Важно продемонстрировать свою работу максимально близко к тому, как она будет выглядеть и функционировать в руках пользователей.

Когда я недавно присоединился к Echo, (онлайн-аптеке, отпускающей лекарства по рецептам Национальной службы здравоохранения Великобритании (NHS), я быстро понял, что создал собственную версию Lorem Ipsum. Это были названия лекарств и данные, по умолчанию используемые мной в работе. У пациентов могут быть тысячи различных типов и наименований лекарств, но я продолжал использовать парацетамол или ко-кодамол, когда пытался наполнить дизайны реальным контентом.

В рамках нашей проектной работы мы довольно часто ссылаемся на конкретное лекарство, форм-фактор и количество товара. Я хотел тестировать новые паттерны с реальной медицинской информацией, чтобы убедиться, что я проектирую не только для простого случая использования, но и для сложного контента.

Я решил попытаться найти способы использовать реальные данные в проектах Figma. Я быстро обнаружил, что, чтобы решить эту проблему, люди создали несколько полезных плагинов. Я хотел попробовать и протестировать легкое решение, которое бы идеально вписалось в наш процесс проектирования.
Я нашел плагин Figma, который называется Google sheets sync, и по названию понятно, что он делает. Он позволяет синхронизировать данные в таблице Google с определенными слоями в ваших проектах. Его создал Dave Williames, дизайнер и разработчик из Австралии. Вы можете узнать о подробностях работы плагина здесь.

Видео — Плагин для Figma Google Sheets Sync.

Я приступил к созданию Google-таблицы, заполненной данными о разных лекарствах. У дизайнера в нашей команде имелся обширный список лекарств, форм-факторов, количества и т. д. Он любезно помог мне заполнить мою таблицу, и в итоге мы получили довольно обширный список лекарств, доступных в Echo.

Перейдя в Figma, я взял карточку из юзерфлоу, над которым недавно работал, и начал переименовывать слои в соответствии со столбцами в Google-таблице. Добавление символа “#”, а затем имени столбца сигнализирует плагину, где данные должны быть синхронизированы в Figma, и с каким столбцом из Google Sheet.
По умолчанию он извлекал данные в последовательном порядке. Поэтому каждый раз, когда плагин запускался, один и тот же набор данных в том же порядке заполнял дизайн. К счастью, это учтено в плагине, и добавление родительского фрейма или группы с «.x» приводит к случайному индексу.
Плагин хорошо работал, и всякий раз при его запуске добавлялись различные данные лекарств, что позволяло нам быстро и легко проводить стресс-тесты наших дизайнов.

Мы также используем кастомный шрифт иконки, имеющий обширную иконографию лекарств. Поэтому, если вы напечатаете «syringe» (шприц), включив шрифт иконки, иконка шприца автоматически добавится в текстовое поле. Это значит, что мы можем выбрать правильную иконку в Google-таблице и просто синхронизировать ее. Наши иконки привязаны к конкретным лекарствам, поэтому отлично подходят для нашего рабочего процесса.
Это всего лишь небольшой шаг, но он определенно помог приблизить мои дизайны к среде, в которой с ними будут работать клиенты. Я начал использовать этот рабочий процесс в нескольких проектах, и он упростил запуск стресс-тестов дизайнов на разных платформах с использованием реальных медицинских данных. Это лишь первые шаги на пути решения этой проблемы с другим контентом на Echo.

Источник

Инструменты AI для UI/UX дизайнеров

AI или искусственный интеллект помогает людям облегчать их рабочую нагрузку. И в списке инструментов ниже мы собрали лучшие AI-инструменты, которые особенно помогают дизайнерам.

Итак, если вы UI/UX дизайнер и хотите сэкономить время и силы, используйте эти инструменты на базе искусственного интеллекта.

№ 1: Uizard – отличный инструмент на основе AI, который поможет создать реальный прототип из рисунка на бумаге. Вам просто нужно соблюдать пару правил, и Uizard переведет ваш бумажный дизайн в цифровой.

№ 2: Color Mind – это генератор цветовых схем, использующий deep learning. Он может извлекать цветовые стили из фотографий, фильмов и популярных произведений искусства. Каждый день загружаются разные наборы данных, можете сами попробовать их сейчас на colormind.io бесплатно.

№ 3: Khroma использует AI, чтобы узнать, какие цвета вам нравятся, и создает безграничные палитры, которые вы можете находить и сохранять.

№ 4: RemoveBG – отличный инструмент, который помогает удалить фон с помощью AI. Лично мне он очень нравится, использую его буквально все время.

Источник

Жизнь внутри экрана и познание себя
Мысли о соцсетях и их влиянии

Порой кажется, что у некоторых познание мира ограничено экраном телефона. Все, что происходит внутри него — это жизнь со своими сюжетами, героями и переживаниями. Остальное — лишь временная декорация.
Проблема в том, что жизнь внутри этого экрана всегда посвящена кому-то или чему-то внешнему: человеку, бренду или событию. В эти моменты вы не можете становиться лучше и делать что-либо стоящее, потому что ваше внимание отдано другим.
Забавно вот что. Хоть современный мир и считается эгоистичным, но сегодня как никогда много людей тратят свою энергию на других, следя за незначительными событиями, личностями и пытаясь завоевать признание тех, кого они так часто призирают.
Мне хотелось бы сказать, что все это бесполезная трата времени, но даже в выдуманном мире можно процветать. Правда только до тех пор, пока в него верят другие.
Но очень похоже, что эта вера будет продолжаться, иначе сложно объяснить тысячи людей, выкрикивающих в комментариях просьбы ко Вселенной, а после продолжающих максимально игнорировать ее присутствие.
Ведь невозможно достичь глубины в системе, построенной на отвлечениях. Так же как и невозможно познать себя, тратя часы на изучение других.

Источник

История первых эмодзи

С первых дней книгопечатанья в Европе, большие листы бумаги с односторонним оттиском, известные как broadsheets или broadsides (для удобства будем называть их листовками), печатались десятками миллионов копий. Они использовались для самых разных целей: официальных правительственных заявлений, объявлений, индульгенций, пропагандистских материалов, информационных бюллетеней, баллад, альманахов и даже прототипографических плакатов.

Хотя они считаются дешевыми и недолговечными – многие такими и были – не все листовки того периода постигла такая участь. Большинство из них раздавали бесплатно и вскоре они были выброшены или переработаны; но некоторые сохранились до наших дней. Часть из них была выгравирована опытными художниками и даже раскрашена вручную, а художественные достоинства, редкость и цена обеспечили их выживание. Сегодня мы кратко рассмотрим несколько любопытных примеров.

Читать статью: https://ux.pub/istoriya-pervyh-emodzi/

3 тенденции, которые навсегда изменили графический дизайн

Графический дизайн никогда не будет прежним. Технологии влияют на эстетику, а эстетика, в свою очередь, влияет на внешний вид всего, что нас окружает. В конечном счете, все идеи – коммерческие, философские или функциональные – определяют методы и стили графического дизайна. В этой статье мы сосредоточились на трех основных тенденциях повлиявших та графический дизайн и сделавших его таким, каким мы его знаем.

1. Моушн дизайн
Моушн дизайн является одним из наиболее популярных методов визуального оформления. Графика движения возникла благодаря существованию фильмов, видео, анимации и вступительных титров к фильмам. Сейчас моушн дизайн не уступает по важности типографике. Визуальное пение и танцы в графическом дизайне – это то же самое, что и разговоры в немых фильмах.
Вступительные титры Кайла Купера к триллеру «Семь» (видео выше) являются одним из самых ярких примеров современной кинематографической графики.

2. Аудио сопровождение
Решение перенести акцент с движений на аудио сделало графический дизайн таким, каким он является сегодня. Самые ранние эксперименты с тем, что когда-то называлось «зрительная музыка», совпали с появлением фильмов со звуком в середине 1920-х годов. По сути отцом моушн графики стал Сол Басс. В 1960-х годах он создал серию вступительных титров для фильмов Альфреда Хичкока. Графический экспрессионизм этих вступительных титров идеально сочетался с повторяющимися мотивами партитур композитора Бернарда Херрманна. В наши дни существует огромное количество гибридных графических стилей, и с каждым годом их становится еще больше.

Все виды дизайна символизируют определенное время. Поэтому вторая тенденция в дизайне, а именно «искусственное устаревание», часто используется для придания лоска и привлекательности. В 1920-е годы это называлось «разработка стиля». Главной целью было повысить интерес потребителей, сделав продукцию более привлекательной. Художник по рекламе и один из первых коммерческих дизайнеров Раймонд Лоуи назвал это понятие MAYA — Most Advanced Yet Acceptable, что в переводе означает «максимально авангардное, но приемлемое для потребителя». Принцип MAYA продвигал цвета и формы, которые передавали тенденцию «нового и улучшенного», но при этом не заставляли потребителя нервничать от излишней степени новаторства.

Для большинства американских дизайнеров модернизм был полон хитрых приемов, которые художник мог использовать, чтобы сделать новое еще более новым. Это могли быть футуристические решения, акцентами которых были современные шрифты и заманчивые названия. Часто использовались такие шрифты как Cubist Bold и Novel Gothic. Искусственное устаревание однозначно стало толчком для роста и развития графического дизайна.

3. Цвет
Третья тенденция – яркий цвет. В середине 1960-х художник Джозеф Альберс стал основателем психоделического стиля. Своей книгой «Взаимодействие цвета» он помог выявить тенденцию, которая в дальнейшем использовалась для создания психоделических постеров и не только. Виктор Москосо, который учился у Альберса в Йельском университете, был одним из основателей тенденции яркого и сочного цвета. Он оказался первым из авторов рок-постеров 60-х, имеющий академическое образование. В самом начале моды на психоделический дизайн, он начал делать постеры для концертов, устраиваемых “Family Dog” в зале “Avalon Ballroom”. Известность получила также его серия постеров “Neon Rose” для клуба “Matrix”.

Дизайнеры, работавшие в этом стиле, пересмотрели ранее существующие правила. Например, «не используйте смелые цвета» стало «использовать их, в сочетании с большим количеством смелых цветов». Принцип «надписи должны быть всегда разборчивыми» стал «маскировать надписи, затруднять их чтение».

Одним из важных элементов теории Альберса была относительность цвета. Он считал, что цвет меняется в зависимости от окружения. Цвет обладает обманчивыми и непредсказуемыми свойствами, при этом возможны множественные вариации одного и того же оттенка в зависимости от того, какие цвета его окружают. Яркие цвета притягивали взгляды, заставляя зрителя с изумлением рассматривать поверхностью двумерного изображения. Вибрирующий цвет теперь является одним из многих инструментов современного дизайнера.

Источник

История презентаций: эпоха до появления Powerpoint

Рассказываем, как развивались способы создания презентаций до появления привычных нам сервисов.

Мы привыкли делать презентации в специальных программах или онлайн-редакторах: у нас есть Powerpoint, Google Slides, Keynote или Prezi. Среди них самым популярным изобретением стал именно Powerpoint: этот сервис верой и правдой служит нам уже более 30 лет. Но что было до его появления? Презентации тоже были. Давайте посмотрим, с помощью каких технологий их создавали.

Какими были первые презентации?

Презентация – это визуальный материал, помогающий вести рассказ. Можно сказать, что и наскальные рисунки были первыми презентациями – ведь через них древние люди общались с себе подобными и передавали опыт. Средневековые витражи тоже по своей концепции были похожи на презентации: с помощью картинок людям рассказывали библейские сюжеты.

Еще одна важная веха развития презентаций – это школьные доски. Первые из них появились в XIX веке и предназначались для надписей мелом. В XX веке наряду с ними стали использоваться маркерные доски. Впрочем, мел и маркер не имеют между собой существенных различий. Главный минус этого способа презентации – выступающий должен писать на доске в режиме реального времени. Это неизбежно прерывает речь, а также не позволяет создавать аккуратные схемы или рисунки.

Первые презентации с использованием досок носили образовательный характер – по сути, занятия в школах и университетах просто начали дополнять надписями, графиками и рисунками. Гораздо позже, уже с появлением технологий отображения слайдов, презентации стали создавать для бизнес-целей – для привлечения клиентов или инвестиций в стартапы.

Что изменилось с появлением проекторов?

Ко второй половине XX века популярность обрели сразу две технологии, качественно отличающиеся от меловой доски – они позволяли проецировать изображения на экран. Это делали с помощью кодоскопов или диапроекторов. Давайте подробнее остановимся на каждом устройстве.

Как работал кодоскоп?

Кодоскоп проецировал на экран изображения, нанесенные на прозрачную пленку. Для набора текста к середине прошлого века уже вовсю использовались печатные машинки, а вот графики, схемы и иллюстрации приходилось рисовать от руки. Все надписи и изображения наносили на обычную бумагу, а затем делали фотокопию на пленке.

Пленку в листах или в рулоне размещали горизонтально на поверхности кодоскопа, снизу изображение подсвечивалось лампой. Оптическая система с зеркалом была расположена выше, она проецировала картинку на доску или белую стену.

Проекции получались черно-белыми, преимущественно они содержали текст – поскольку рисунки и схемы требовали ручного труда, их использовали только при острой необходимости. Над созданием презентации обычно работал сам спикер.

Главное преимущество этой технологии – лектор больше не должен был отвлекаться от рассказа, чтобы написать что-то на доске, как раньше. Также подготовка слайдов для кодоскопа обходилась недорого, поэтому аппарат получил широкое распространение.

Как работал диапроектор?

Диапроектор или слайд-проектор – это устройство, в которое вставляли несколько цветных изображений размером 24х35 мм. Их изготавливали на фотопленке или на специальных стеклянных пластинах. Принцип действия устройства также строится на освещении – сначала использовали лампы накаливания, а с 1980-х годов – галогенные лампы.

Изображение строилось с помощью проекционного объектива: для создания яркой и четкой картинки требовалась фокусировка. Она могла быть ручной или автоматической. Слайды можно было переключать вручную, отматывать назад или установить таймер для их переключения.

С помощью диапроектора появилась возможность показывать фотографии и цветные слайды. Эти слайды готовили художники, они были красиво оформлены, содержали иллюстрации и инфографику. В целом, возможности оформления таких презентаций были достаточными для полноценных выступлений. Кроме того, появилась возможность одновременно загружать в проектор до 80 слайдов – для этого были созданы карусельные диапроекторы.

Эта технология даже позволяла воссоздать простенькую анимацию – правда, это было редким явлением. В подавляющем большинстве случаев презентовали статичные слайды. Если же нужно было впечатлить аудиторию чудесами техники, на один экран направляли сразу несколько диапроекторов – а иногда и несколько десятков. У этих проекторов были внешние диафрагмы, которые реагировали на незаметные для человека звуковые сигналы. С помощью такой технологии слайды не просто перещелкивались, а исчезали и возникали с визуальными спецэффектами.

Как проходили выступления?

Технические возможности во многом влияют на выступления. Сейчас мы чувствуем себя свободно, загружая презентацию с флешки на ноутбук, подключаясь к современному видеопроектору и переключая слайды с помощью пульта. Давайте посмотрим, в каких условиях работали спикеры в XX веке.

Для проекций при помощи кодоскопа подходит хорошо освещенное помещение: выступающий и слушатели друг друга видели, могли вести диалог. Но графика изображений была существенно ограничена: только черно-белые и преимущественно текстовые слайды.

Тем не менее, ввиду дешевизны кодоскопы активно использовались и для лекций в образовательных учреждениях, и для выступлений среди коллег внутри компаний.

Цветные изображения, воссозданные с помощью диапроектора, напротив, нужно было просматривать в полной темноте. Это осложняло контакт между аудиторией и спикером, поскольку они друг друга не видели. Более того, выступающий не мог читать с листа во время выступления. Такие презентации требовали больше подготовки.

Кодоскоп использовали для будничных выступлений: спикер сам мог напечатать все важное на слайдах, зачитать речь, побеседовать со слушателями. Диапроектор обычно использовали для большой аудитории, к этим выступлениям тщательно готовились, они были хорошо продуманными. Во-первых, спикер должен был хорошо владеть материалом и говорить без запинок. Во-вторых, подготовкой слайдов занимался не сам выступающий, а специалисты, которые создавали красивый дизайн.

Если задействовали анимацию, выступление и вовсе превращалось в спектакль с четко прописанным сценарием. Скоординировать множество диапроекторов – непростое дело. В такой презентации не предусматривались вопросы от слушателей, а содержание было второстепенным. Все подчинялось главной цели – впечатлить людей спецэффектами.

Как выглядели слайды?

Давайте посмотрим на дизайн презентаций в эпоху работы с диапроекторами. Изображения для них создавались традиционными типографскими методами или с помощью мини-ЭВМ. Затем полученный результат фотографировали, чтобы загрузить в диапроектор уменьшенную копию на прозрачной пленке.

Оформление слайдов было во многом похоже на то, что мы знаем сейчас: широко применялись иллюстрации и подписи.

Конечно, дизайн середины прошлого века в чем-то уступал современным возможностям. О трехмерной инфографике или сложных фотоколлажах говорить не приходится: только цветные заливки, простые изображения и текст.
В слайды вставляли схемы и графики: сложные технологии для них не требуются, зато визуально воспринимать информацию с ними гораздо легче.

Фотографии в презентациях тоже уже использовались – и не только обычные, но и обработанные.

Выводы

Презентация – более широкое понятие, чем набор привычных нам слайдов. Это способ передачи информации визуальными средствами. В широком смысле презентацией можно называть наскальные рисунки или даже церковные витражи.
Первым устройством для отображения слайдов на экране стал кодоскоп. Он позволял делать черно-белые слайды, состоящие преимущественно из текста.
Цветные слайды демонстрировали с помощью диапроектора, над их оформлением трудились художники.
С помощью нескольких диапроекторов можно было создавать незатейливую анимацию. Но эта технология стоила дорого и требовала тщательной подготовки к выступлению.
Возможности оформления слайдов уступали современным, но уже активно использовались иллюстрации, инфографика и обработка фотографий.

Источник: https://habr.com/ru/post/527162/

Как мотивировать пользователя закончить прогресс? -Эффект обеспеченного прогресса

TGI Fridays – отличное место, где можно наесться до отвала, особенно, учитывая размер подаваемых порций. Кроме того, они используют одну маленькую хитрость, которая заставляет меня возвращаться – это система вознаграждений. Я получаю 1 балл за каждый потраченный доллар, и после того, как наберу определенное количество баллов, получаю вознаграждение в виде бесплатного блюда!
Кроме того, они сразу предлагают бесплатную закуску за присоединение к программе «Fridays rewards».

Что такое «эффект обеспеченного прогресса»?

Идея заключается в том, что, если вы предоставите людям искусственный прогресс в достижении цели, у них будет больше мотивации для выполнения этой задачи.
В 2006 году Джозеф К. Нуньес и Ксавье Дрезе продемонстрировали эту идею в исследовании под названием «Эффект обеспеченного прогресса: как искусственное развитие увеличивает усилия». Они раздавали постоянным клиентам автомойки карты лояльности. Каждая мойка авто будет засчитываться по штампу на карте. Клиенты могли получить бесплатную мойку получив 8 штампов.
Покупатели были разделены на 2 равные группы:
Группа A: получили карты с 10 слотами, но два слота были уже погашены (прогресс 20%).
Группа B: получили карты с 8 слотами, из которых ни один не был погашен (прогресс 0%).
Исследователи выяснили, что 34% участников группы A (экспериментальная группа) полностью погасили свои карты по сравнению с 19% участников группы B (контрольная группа). В обоих случаях нужно было 8 раз оплатить мойку, но большая часть экспериментальной группы, т.е. группа с форой, выполнила задачу. Один шаг лучше, чем совсем ничего – я чувствовал себя вдохновленным.

Короче говоря, участникам, которым было дано преимущество на пути к достижению цели (2 штампа), казалось, что требуется приложить меньше усилий, и, таким образом, они имели больше мотивации для достижения финишной черты.

Почему это работает?

Давайте теперь углубимся в то, какие основные концепции способствуют этому эффекту.

Эффект Зейгарник:
Вы когда-нибудь прерывали на середине просмотр отличного триллера? Или делали паузу в видеоигре, не достигнув цели?
Люди запоминают незавершенные или прерванные задачи лучше, чем выполненные.
Этот эффект был замечен литовским психологом Блюмой Зейгарник в 1927 году. Вы можете прочитать о ее эксперименте и полученных выводах в исследовательской статье « О выполненных и незавершенных задачах».
Всякий раз, когда задача не выполнена или выполняется, это беспокоит нас, создавая напряжение, и она продолжает всплывать в нашем сознании, пока не будет завершена. Но это напряжение исчезнет, как только мы выполняем задачу.
Следовательно, люди более мотивированы выполнять текущую задачу. Мы хотим получить удовлетворение, увидев надпись «100% завершено» или огромную зеленую галочку в конце задачи.
Этот прием отлично работает с сериалами, использующими в конце серии клиффхэнгер, тем самым заставляя зрителя гадать, что будет дальше.
С помощью этого эффекта дизайнеры могут заставить пользователей выполнить задачу, которую они иначе не стали бы выполнять.